It’s been a long way since Earth was created from cosmic dust plus initial energy from the Big Bang left unleashed especially for us by an un-metaphorically cause that still remains undisclosed, un-theological, & humanly grasped.
Despite there’s no consensus about such a spectacular phenomenon; body, mind & intelligence remain as lively fate-hunters of what make sense about us that I have to welcome you, Friend, to the Drama of Human Condition in search of the Artist’s Signature.
En la primavera de 1476
el joven Leonardo da Vinci
escribió en el reverso de una carta
desesperada: If there is no love, what then? Lo escribió, entiéndase
bien, en su vernáculo
original. Es que yo solo tengo
la edición inglesa.
¿De cuántas cosas
en esta vida, Dios mío, solo tengo
la edición inglesa – es decir,
la precaria, aproximada
traducción? ¿Y qué hacer
con estas noches de junio,
si el amor, justamente,
es una de ellas?
Rui Pires Cabral
(Traducido por El transcriptor)
A EDIÇÃO INGLESA
para a Mariana Pinto dos Santos
Na primavera de 1476
o jovem Leonardo da Vinci
escreveu no verso de uma carta
desesperada: If there is no love, what then? Escreveu-o, bem
entendido, no seu vernáculo
nativo – eu é que só tenho
a edição inglesa.
De quantas coisas
nesta vida, meu Deus, só tenho
a edição inglesa – quer dizer,
a precária, aproximativa
tradução? E que fazer
com estas noites de Junho,
se o amor, justamente,
é uma delas?
La breve existencia de
Heinrich von Kleist (Frankfurt del Order, 1777-Wannsee, 1811) reúne
todos los elementos del Romanticismo alemán: una estricta exigencia
estética, que lucha por trascender los límites de la Razón; una aguda
megalomanía, que sitúa al yo en el centro de la creación artística; un
saber intuitivo, que nace de una desordenada libertad interior; una
pasión por la vida, sin fuerza para neutralizar el nihilismo, y el
encuentro fatal con la Muerte, escenificado como una tragedia clásica,
donde el hombre se inmola para desafiar al destino y afirmar su
voluntad.
Cioran afirmaba que es imposible leer a
Kleist sin presentir que el suicidio precede a su obra. Su decisión de
quitarse la vida no puede atribuirse a una desesperación espontánea.
Tras abandonar la carrera militar y mantener un doloroso noviazgo,
Kleist comienza su carrera literaria con enormes dudas, que le empujan a
no firmar sus primeras obras (La familia Schroffenstein) o a destruir algún manuscrito para reconstruirlo más tarde (Roberto Guiscardo).
Sus inseguridades conviven el ansia de gloria y el aborrecimiento del
mundo. Su identificación con el ideal rousseauniano de regreso a la
naturaleza sólo es algo pasajero. Sus oscilaciones testimonian una
búsqueda intelectual y artística, pero también un desequilibrio mental.
Su encuentro con Goethe, que reconoce la inspiración de algunas
comedias, pero se muestra implacable con Pentesilea (1808), exaspera su inestabilidad. En 1811 aparece Michael Kohlhaas,
un elogio de la rebeldía frente a la arbitrariedad del poder. El
respeto a la norma es irrelevante cuando emperadores o príncipes
pisotean los derechos del individuo. Invirtiendo el axioma socrático,
Kleist opina que es preferible infringir la ley que soportar la
injusticia.
Con problemas materiales y sin el
reconocimiento que anhela, Kleist resuelve poner fin a una existencia
marcada por el fracaso y el sufrimiento psicológico. En una nota,
asegura que su dolor quedará compensado por “la más dulce de las
muertes”. Nueve días más tarde, un paseante se cruza con él y su amiga
Henriette Vogel. Ambos parece felices mientras bordean el lago Wannsee.
Hacia las cuatro, se escucha dos disparos. Una carta redactada la noche
anterior, anuncia “estamos muertos en el camino de Potsdam”. Cioran
afirma que los solitarios de espíritu sólo consiguen la paz definitiva
cuando conocen la perfecta soledad de la muerte. La prematura
desaparición de Kleist, que frustra cualquier expectativa vital o
artística con tan sólo treinta y cuatro años, desbarata cualquier
complacencia con el suicidio, evidenciando la ligereza de algunos
pensadores que confunden la aflicción con una figura literaria.
Michael Kohlhaas narra la historia de un tratante de caballos que organiza una insurrección para vengar un ultraje. El Junker
Wenzel von Tronka, un aristócrata de la antigua Prusia Oriental,
retiene dos de sus mejores caballos, aprovechando su paso por su
fortaleza. Kohlhaas confía el cuidado de los animales a un criado, pero a
su regreso descubre que su empleado ha sido apaleado y expulsado del
castillo y los caballos, dos magníficos ejemplares, entregados a labores
de campo, hasta la extenuación. Su aspecto es tan lamentable que
parecen carne de matadero. Kohlhaas recurre a la justicia, pero su
reclamación es desestimada. Humillado y escarnecido, decide desprenderse
de sus propiedades y elevar su protesta hasta el Príncipe Elector. Ante
la perplejidad de Lisbeth, su mujer, afirma que no desea vivir en un
país que no defienda sus derechos. Lisbeth intenta hablar con el
Príncipe, pero uno de sus soldados le propina un golpe en el pecho y,
pocos días más tarde, muere ante la impotencia de su marido, que
enloquece y decide tomarse la justicia por su mano. Tras formar un
pequeño ejército de forajidos, asalta la fortaleza del Junker y las ciudades en las que se refugia, huyendo de su venganza.
Kohlhaas es un personaje histórico, de
nombre Hans, pero al que Kleist prefirió llamar Michael para establecer
una analogía con el arcángel que venció a las legiones de Satanás.
Representado con armadura del general romano y con una lanza o espada,
la sensibilidad romántica de Kleist confirió sus poderes a un hombre
común, atribuyendo al pueblo el legítimo derecho de luchar contra la
tiranía. El relato es un grito de protesta contra el imperialismo
napoleónico, una invitación a la guerra para restituir la libertad. La
exaltación del heroísmo no oculta el lado terrible de la guerra. Las
huestes de Kohlhaas no respetan la vida de niños ni mujeres, incendian
las plazas conquistadas y se dedican al saqueo. Kohlhaas mantiene la
disciplina con castigos ejemplares, ahorcando a los que le desobedecen.
Saturada de rasgos de la estética romántica (profecías, gitanas,
sentimientos exaltados, nacionalismo), Michael Kohlhaas también
anticipa algunos aspectos de la novela moderna: la impotencia del hombre
ante un poder irracional, el conflicto entre instinto y civilización,
el furor exterminador, que se legitima en una burocracia absurda, la
aparición de las masas, que usurpan el lugar del individuo. La guerra de
Kohlhaas recuerda la vesania de Lope de Aguirre, pero su final no es
menos atroz que el de Josef K., aniquilado por una razón de Estado que
sólo se preocupa de evidenciar su poder. La prosa de Michael Kohlhaas
carece de retórica. Es una prosa de enorme precisión, que avanza sin
estancarse ni perder la inspiración. La entrevista de Kohlhaas con
Martin Lutero refleja la clarividencia de Kleist: la exclusión es tan
intolerable como la asimilación. En cualquier caso, el hombre está
perdido y la felicidad sólo es una precaria ilusión.
La poesía que se
solidariza con el infortunio no puede conformarse con la perfección
formal, sino que ha de tender hacia la verdad, interpretada no ya como
Absoluto moral, sino como realidad en el mundo, con su carga de
injusticia y fealdad.
En este sentido,
la fealdad no es una categoría estética, sino la posibilidad de superar
el mal, asumiendo su lastre y ofreciendo a sus víctimas la palabra que
se les negó, permitiendo que hablen desde su inconcebible dolor,
mitigando el olvido al que están expuestas, combatiendo la ignominia de
arrojar un manto de silencio sobre los que murieron injustamente. La
poesía sólo puede conservar su tensión hacia el futuro, recogiendo la
miseria del pasado. La desdicha del inocente nunca es hermosa, pero la
poesía está comprometida con su recuperación.
En 1767, Lessing estudia en el Laocoonte
la fealdad como categoría específica, pero reserva su manifestación al
ámbito de la poesía, ya que entiende que la literatura, por su
naturaleza temporal, diluye lo grotesco o repugnante, mientras que en
las artes figurativas su presencia perdura en el espacio. En 1795,
Friedrich Schlegel escribe Sobre el estudio de la poesía griega,
donde apunta que la fealdad es uno de los rasgos definitorios del arte
moderno. Ya no es la armonía, sino la intensidad, el dramatismo o la
originalidad lo que inspira al artista. Schlegel cita a Shakespeare,
cuyas obras no escatiman la violencia, lo trágico o lo grotesco. Sus
personajes no conocen la armonía, sino que viven acosados por la
desesperación, la impotencia o el fracaso.
Hölderlin afirma
que sólo merecen el nombre de arte las obras capaces de expresar la
experiencia del dolor. Pese a enloquecer, continúa escribiendo,
reflejando en sus Poemas de la locura el anhelo de felicidad,
maltratado por la incertidumbre y el sentimiento de indigencia que
aflige al ser humano, cuando no se advierte la presencia utópica del
otro, no ya como antagonista, sino como manifestación del Espíritu.
Visión es una expresión de este conflicto:
Oscura, cerrada, parece a menudo la interioridad del mundo
Sin esperanza, lleno de dudas, el sentido de los hombres
Mas el esplendor de la Naturaleza alegra sus días
Y lejana yace la oscura pregunta de la duda.
Es la época más
dolorosa de su existencia, su largo viaje por la locura, pero el
desorden mental no impide que se manifieste la esperanza de un mañana.
En Primavera, las estaciones no aparecen como repetición, sino como tensión hacia el futuro.
Nuestra vida desea al porvenir abrirse
Con flores, señal de alegres días
cubrir parece la tierra y el gran valle
Alejando la Primavera de todo signo doloroso.
La locura no es
éxtasis, noche sagrada o inspiración divina, sino un estado de confusión
y pérdida, un tiempo de destrucción acotado por la repetición, la
angustia y el miedo. En sus últimos años, Hölderlin es un loco (a fin de
cuentas, un hombre limitado por su experiencia o, más exactamente,
desorganizado por su experiencia), pero en sus poemas, oponiendo al
delirio la secreta perseverancia de la razón, se manifiesta el conflicto
matricial entre un presente desdichado y un mañana que apenas se
vislumbra, pero que en cierta medida ya acontece. Lo inmediato no puede
ser la última palabra. Auschwitz no es la verdad, sino el fracaso del
hombre en su devenir histórico. Hay otros fracasos, otros escándalos,
donde -al menos temporalmente- triunfa la inhumanidad, lo monstruoso.
Lo esencial es
que el mal carece de la fuerza necesaria para destruir el impulso
teleológico de la conciencia. La esperanza no es una ilusión, sino la
forma en que el hombre se enfrenta al tiempo y la injusticia. Es un
estar en el tiempo, que se realiza en el tiempo y fuera del tiempo, en
el “todavía no” (Ernst Bloch), cuya inminencia nunca cesa, pues si se
hiciera presente, perdería su impulso. Hölderlin firma sus poemas con
cien años de antelación o con doscientos de retraso. No es ofuscación,
sino anticipación de la eternidad, de un más allá que extiende el
presente hacia una perfección aplazada. Pese a su innegable prestigio,
la incredulidad es más débil que la esperanza. Hay más audacia en la fe
que en su negación, como nos recuerda Ionesco en sus Diarios.
En el borrador de
una carta sin fecha, Hölderlin escribe: “Estoy maduro no para la paz
muerta de la tumba, sino para una vida más feliz, más tranquila que
ésta; incluso espero no estar largo tiempo ya sobre esta tierra, de la
que ni siquiera las alegrías me atraen; espero que las tijeras fatales
de la Parca vengan a cortar el hilo de mi vida, y en verdad puedo decir
que espero el fin con tranquilidad, incluso con placer y alegría”. No
hay en estas palabras resentimiento ni odio hacia la vida real, con su
carga de finitud y servidumbre. No es “ilusión”, “resentimiento” ni
“platonismo para el pueblo” (Nietzsche), sino experiencia del dolor
transmutada en esperanza. Esperanza que celebra la vida, a pesar de su
imperfección, a pesar del declive del cuerpo y del naufragio de la
razón.
Los Poemas de la locura
son una iluminación, pero su luz no procede de lo irracional, sino de
la insensatez de la esperanza, que contempla el dolor y no renuncia a la
vida; que soporta la infamia y aún cree en la justicia; que aguanta el
fracaso y no se cansa de celebrar la persistencia de lo posible. Sólo
esta forma de arte puede contener la realización histórica del mal y al
mismo tiempo contribuir a su superación moral y teleológica.
RAFAEL NARBONA
Todas las colaboraciones de Rafael Narbona como crítico literario de El Cultural de El MUNDO en: http://www.elcultural.es
This one piece of shocking evidence shows a famished Sudanese child being stalked by a vulture: no tears just the eye of the beholder. Obviously, glamour and pride of “civilized people” gave the 1994Pulitzer Prize to Kevin Carter for such self-evident photography” (Retrieved 06-23-08).
I have no idea why they still trust capitalism as a triumphant achievement of Modernity.
I don’t trust capitalism anymore
I don’t trust capitalism anymore
I don’t trust capitalism anymore
Let
me rephrase it once again. This is a scandalous one-piece proof of
capitalism breakdown and consequently of modernity. Embarrassment is the
only prospect before this shameful self-evident fact.
· Religion, Politics, Science, and Entertainment et al are just disguises of our doctrinaire narcissism.
· Gods, Goddesses, and God are just mistrusted excuses of egotistical human beings unjustly called humans.
With ‘Europe Is Lost’, there can be little
doubt that Kate Tempest is now the UK’s greatest working lyricist. If
we were released in the '70s it would have stood right up alongside
‘Gangsters’ by The Specials and PiL’s ‘Public Image’, and would have
probably arrived fully-formed in the pages of NME via a double page
advertisement of the the striking sleeve art (above).
As it is, we get a streamable sermon of disgust that’s both crushed and
mad sounding, an ultimately empty lament delivered from Tempest both in
character and out to the “BoredOfItAll generation” (her words) at the
fag end of a culture vortex which now, through her eyes, simmers at
breaking point.
It’s the most thrillingly reactive single to come out of England since Ben Watt and Estelle made their London-centric ‘Pop A Cap In Yo Ass’
back in 2005. It bests anything Plan B’s ever done, seriously raises
the game for Skepta and takes the blueprint laid down by all those
doomed ‘indie poets’ of the past 15 years like Mike Skinner, Pete
Doherty and Dizzie Rascal, completing what they started before fame sent
them down vastly different paths.
Word is it wasn’t even due for release until next year, but Tempest and
producer Dan Carey felt they couldn’t hold it back any longer. You can
literally feel that in her delivery too; childlike, almost drunk
sounding but always, always eagle-eyed.
Sure, people will be drawn in by the cheap thrill lines (“Live porn streamed to your pre-teens bedrooms”, “Caught sniffing lines off a prostitutes prosthetic tits”),
but I think there’s wordplay as nifty as anything 'the greats' (here's
looking at you Moz and MIA) have done any time here too. “Top down violence, structural viciousness” is evil Jarvis, while “Massacres massacres massacres/new shoes”
is where the courageous and banal meet, which is the exact reason art
pop was ever invented. And that's before we even get to the utterly
perfect line about Cameron’s pig, which I won’t spoil for you.
It’s the overall message that hits home hardest. You wait ages for a
decent protest song, and then this - one of the greatest ever, possibly –
comes along roaring. It’s the sound of pure defeat in 2015, of drowning
and not waving. And it has rarely ever sounded so sweet.
Stream the track above and read the lyrics below:
Europe is lost, America lost, London is lost,
Still we are clamouring victory.
All that is meaningless rules,
And we have learned nothing from history.
People are dead in their lifetimes,
Dazed in the shine of the streets.
But look how the traffic keeps moving.
The system’s too slick to stop working.
Business is good. And there’s bands every night in the pubs,
And there’s two for one drinks in the clubs.
We scrubbed up well
We washed off the work and the stress
Now all we want’s some excess
Better yet; A night to remember that we’ll soon forget.
All of the blood that was shed for these cities to grow,
All of the bodies that fell.
The roots that were dug from the ground
So these games could be played
I see it tonight in the stains on my hands.
The buildings are screaming
I cant ask for help though, nobody knows me,
Hostile and worried and lonely.
We move in our packs and these are the rights we were born to
Working and working so we can be all that want
Then dancing the drudgery off
But even the drugs have got boring.
Well, sex is still good when you get it.
To sleep, to dream, to keep the dream in reach
To each a dream,
Don’t weep, don’t scream,
Just keep it in,
Keep sleeping in
What am I gonna do to wake up?
I feel the cost of it pushing my body
Like I push my hands into pockets
And softly I walk and I see it, it’s all we deserve
The wrongs of our past have resurfaced
Despite all we did to vanquish the traces
My very language is tainted
With all that we stole to replace it with this,
I am quiet,
Feeling the onset of riot.
But riots are tiny though,
Systems are huge,
The traffic keeps moving, proving there’s nothing to do.
It’s big business baby and its smile is hideous.
Top down violence, structural viciousness.
Your kids are doped up on medical sedatives.
But don’t worry bout that. Worry bout terrorists.
The water levels rising! The water levels rising!
The animals, the polarbears, the elephants are dying!
Stop crying. Start buying.
But what about the oil spill?
Shh. No one likes a party pooping spoil sport.
Massacres massacres massacres/new shoes
Ghettoised children murdered in broad daylight by those employed to protect them.
Live porn streamed to your pre-teens bedrooms.
Glass ceiling, no headroom. Half a generation live beneath the breadline.
Oh but it's happy hour on the high street,
Friday night at last lads, my treat!
All went fine till that kid got glassed in the last bar,
Place went nuts, you can ask our Lou,
It was madness, the road ran red, pure claret.
And about them immigrants? I cant stand them.
Mostly, I mind my own business.
But they’re only coming over here to get rich.
It’s a sickness.
England! England!
Patriotism!
And you wonder why kids want to die for religion?
Work all your life for a pittance,
Maybe you’ll make it to manager,
Pray for a raise
Cross the beige days off on your beach babe calendar.
Anarchists desperate for something to smash
Scandalous pictures of glamorous rappers in fashionable magazines
Who’s dating who?
Politico cash in an envelope
Caught sniffing lines off a prostitutes prosthetic tits,
And it's back to the house of lords with slapped wrists
They abduct kids and fuck the heads of dead pigs
But him in a hoodie with a couple of spliffs –
Jail him, he’s the criminal
It's the BoredOfItAll generation
The product of product placement and manipulation,
Shoot em up, brutal, duty of care,
Come on, new shoes.
Beautiful hair.
Bullshit saccharine ballads
And selfies
And selfies
And selfies
And here’s me outside the palace of ME!
Construct a self and psyhcosis
And meanwhile the people are dead in their droves
But nobody noticed,
Well actually, some of them noticed,
You could tell by the emoji they posted.
Sleep like a gloved hand covers our eyes
The lights are so nice and bright and lets dream
But some of us are stuck like stones in a slipstream
What am I gonna do wake up?
We are lost
We are lost
We are lost
And still nothing
Will stop
Nothing pauses
We have ambitions and friends and our courtships to think of
Divorces to drink off the thought of
The money
The money
The oil
The planet is shaking and spoiled
Life is a plaything
A garment to soil
The toil the toil.
I cant see an ending at all.
Only the end.
How is this something to cherish?
When the tribesmen are dead in their deserts
To make room for alien structures,
Develop
Develop
Kill what you find if it threatens you.
No trace of love in the hunt for the bigger buck,
Here in the land where nobody gives a fuck.
Read more at
http://www.nme.com/blogs/nme-blogs/kate-tempests-europe-is-lost-is-the-protest-song-the-world-has-been-waiting-for#MBHv2YlW8RF63Yzm.99
Chicago é uma banda de rock americana formada em 1967 em Chicago, Illinois. A auto-descrito "rock and roll band with horns" começou como uma banda de rock politicamente, às vezes experimental, e mais tarde mudou-se para um som mais suave, predominantemente, gerando baladas vários hit. Eles tinham um fluxo constante de visitas ao longo dos anos 1970 e 1980. Perdendo apenas para o The Beach Boys na Billboard de singles e álbuns de sucesso gráfico entre bandas americanas, Chicago é um dos grupos de rock mais antigos e mais bem sucedido da história. De acordo com a Billboard, Chicago era o líder do grupo EUA singles charting durante os anos 1970. Eles já venderam mais de 38 milhões de unidades em os EUA, com 22 de ouro, 18 de platina e 8 álbuns multi-platina. Ao longo de sua carreira que já teve cinco álbuns número um e 21 top-ten singles.
A banda foi formada quando um grupo de estudantes da Universidade DePaul, juntamente com Marvin Cantera e Andre Jugo (estudantes de música que estava tocando locais noturnos clubes), recrutou um casal de outros estudantes da universidade e decidiu reunir-se em saxofonista Walter Parazaider de apartamento. Os cinco músicos consistia Parazaider, Terry Kath guitarrista, o baterista Danny Seraphine, o trombonista James Pankow, trompetista Lee Loughnane. O último a chegar foi o tecladista Robert Lamm, um major da música de Roosevelt Chicago University. O grupo de seis se chamavam The Big Thing, e continuou jogando top-40 hits, mas percebeu que faltava uma voz de tenor (Lamm e Kath tanto cantou na faixa barítono), a voz que estavam faltando pertencia ao local baixista Peter Cetera. Enquanto ganha algum sucesso como uma banda cover, o grupo começou a trabalhar em músicas originais. Em junho de 1968, eles se mudaram para Los Angeles, Califórnia, sob a orientação de seu amigo e gerente de James William Guercio, e assinou com a Columbia Records. Depois de assinar com Guercio, a grande coisa mudou seu nome para Chicago Transit Authority. Seu primeiro disco (lançado em abril de 1969), o homônimo The Chicago Transit Authority (às vezes informalmente denominada simplesmente CTA), era um álbum duplo - muito raro para um primeiro lançamento - com instrumentais de jazz, compotas longos apresentando percussão latina e experimentais , feedback carregado de abstração guitarra. Ele vendeu mais de um milhão de cópias em 1970, e foi premiado com um disco de platina O álbum começou a receber airplay pesado na banda recentemente popular de rádio FM;. Que incluiu uma série de canções pop-rock "Does Anybody Really Know What Time It Is?", "Beginnings", and "Questions 67 and 68": que viria a ser editado para um comprimento de rádio AM-friendly e lançadas como singles. Logo após o lançamento do álbum, o nome da banda foi encurtado para Chicago, quando o real Chicago Transit Authority ameaçou tomar medidas legais.
A popularidade da banda aumentou com o lançamento de seu segundo álbum, intitulado Chicago (também conhecido como Chicago II), que era um outro conjunto LP duplo e foi o álbum do grupo avanço. A pista central foi uma parte e sete, de 13 minutos suíte composta por James Pankow chamado "Ballet para uma menina na Buchannon" (a estrutura desse conjunto foi inspirado pelo amor Pankow para a música clássica). A suíte rendeu dois sucessos: dez o crescendo cheio de "Make Me Smile" (n º 9 EUA) e balada "Colour My World", ambos cantados por Terry Kath. Entre as outras faixas populares no álbum: Robert Lamm dinâmica, mas enigmática "25 or 6 to 4" (primeiro de Chicago 5 hit Top), que era uma referência a um compositor tentando escrever menos 25 ou 26 minutos a 4 horas da manhã, e foi cantada por Peter Cetera com wah-wah guitarra por Kath, a canção-protesto guerra longa "É melhor acabar logo", e, no final, a lua Cetera de 1969 desembarque de inspiração "Where Do We Go from Here?". Tampa interna do álbum duplo LP inclui-além das lista-as letras inteiras para "É melhor acabar logo", e duas declarações: "Este álbum deve ser experimentado sequencialmente" (isto sugeriria que Chicago é um álbum conceitual), e, "Com esse álbum, nós nos dedicamos, nossos futuros e as nossas energias para o povo da revolução. E a revolução em todas as suas formas". A banda gravou e lançou LPs a uma taxa de pelo menos um álbum por ano a partir de seu terceiro álbum, em 1971, durante os anos 1970. Durante este período, os títulos do grupo álbum invariavelmente consistia em nome da banda, seguido por um número romano, indicando seqüência do álbum em seu cânone, um padrão de nomenclatura que emprestou uma aura enciclopédico ao trabalho da banda. As excepções a este regime foram o quarto álbum da banda, um conjunto vivo em caixa intitulada Chicago no Carnegie Hall, suas ruas décimo segundo álbum Hot, eo Chicago árabe de número 13. Enquanto o disco ao vivo em si não conter um número, cada um dos quatro discos de dentro do conjunto foi contado Volumes I a IV. O logotipo Chicago distintivo foi desenhado por Nick Fasciano (tendo mais de uma semelhança passageira com o logo da Coca-Cola) e agraciou cada capa de álbum (exceto n º 15, Greatest Hits Vol.. 2), de uma forma ou de outra, por exemplo, como uma bandeira americana no III, um pedaço de madeira em V, uma nota de dólar dos EUA em VI, um patch bordado no VIII, uma barra de chocolate em X, uma impressão digital no XIV, um chip de silício computador em 16, e um mosaico em 18 . Em 1971, Chicago lançou o álbum de quadruplicar conjunto ambicioso ao vivo, em Chicago Volumes Carnegie Hall I, II, III, e IV, que consistem em performances ao vivo, principalmente de músicas de seus três primeiros álbuns, a partir de uma corrida de uma semana no famoso local, junto com o grupo de James e Led Zeppelin em 1969, Chicago foi uma das poucas bandas de rock para tocar a sala de concerto histórico desde The Beatles realizado lá em 12 de fevereiro de 1964. As performances e qualidade de som foram julgados sub-par, na verdade, o trombonista James Pankow foi no registro de dizer que "a secção de metais soou como kazoos". A embalagem do álbum também continha algumas mensagens bastante estridente político sobre como "Nós [os jovens] pode mudar o sistema", incluindo cartazes de parede maciça e informações de registro de eleitores. No entanto, no Carnegie Hall de Chicago passou a se tornar a melhor caixa-venda fixado por uma banda de rock, e considerou que a distinção de 15 anos. O grupo se recuperou em 1972, com o lançamento de um único primeiro disco, Chicago V, um conjunto diversificado que alcançou o número um, tanto no pop da Billboard e gráficos de álbuns de jazz e rendeu o hit de rádio Robert Lamm-composto e-sung e ventilador perene favorito "Sábado no Parque", que a vida cotidiana mista e anseio político de uma maneira mais sutil. Ele chegou em 3 º na Billboard Hot 100 em 1972 cedo. Chicago seria longo abrir seus shows com a música de sucesso. Outro hit Lamm composta nele foi "Diálogo (Parte I & II)", que contou com um "debate" musical entre um ativista político (cantada por Kath) e um estudante universitário blasé (cantada por Cetera). Em 1973, o empresário do grupo, Guercio, produzido e dirigido Electra Glide in Blue, um filme sobre um policial de motocicleta Arizona. O filme estrelado por Robert Blake e Cetera featured, Kath, Loughnane, e Parazaider em papéis coadjuvantes. O grupo também apareceu com destaque na trilha sonora do filme. Outros álbuns de sucesso e singles seguidos em cada um dos anos seguintes. Chicago 1973 do VI liderou as paradas impulsionados pelos hits "Feelin 'Stronger Every Day" (n º 10 dos EUA) e "Just You' N 'Me" (n º 4 dos EUA) e foi também o primeiro de vários álbuns para incluir brasileira jazz percussionista Laudir de Oliveira. Chicago VII, da banda de duplo disco de 1974 de lançamento, contou com a Cetera-composta "Wishing You Were Here", (N º 11 dos EUA) cantada por Terry Kath e Cetera com vocais de fundo por Cetera e The Beach Boys e um pouco de jazz de fusão. Chicago VII também forneceu uma das músicas do grupo de assinatura duradouras, o hino "(eu tenho) Searchin 'So Long", que começou com como uma balada suave e culminou em uma conclusão de hard rock com guitarra elétrica Terry Kath solando contra o Chicago naipe de metais e um arranjo de cordas subindo por Jimmie Haskell. "O homem feliz", outra canção de Chicago VII, foi também um favorito popular no rádio FM, foi um grande sucesso na América do Sul e, posteriormente coberto por Tony Orlando e Dawn em seu álbum Para estar com você. Sua liberação 1975, Chicago VIII, contou com a alegoria política "Harry Truman" e os nostálgicos Pankow-compostas "velhos tempos". Ambos os sucessos atingiu o Top 15, com o último mesmo alcançando o Top Five. Esse verão também viu uma turnê de muito sucesso em toda a América conjunta com os Beach Boys, com ambos os atos realizando separadamente, em seguida, se unindo para um final empolgante. A turnê foi considerada uma das maior bilheteria rock até então. Chicago deu um concerto na Cidade do México, em 1975, no Auditório Nacional, que foi muito apreciado pelo público, ao contrário da imprensa mexicana depois revisá-la como não um dos melhores desempenhos da banda, presumivelmente, não para a banda estar "em melhor de forma ". Os bilhetes para o concerto vendeu tão rápido que milhares de pessoas não conseguiram entrar, assim Terry Kath pediu os de dentro para aplaudir para aqueles do lado de fora. Carmen Romano de López Portillo, a esposa do então presidente do México, José López Portillo, disse ter sido na primeira fila da platéia. Mas, para todos os seus esforços, nenhum de seus singles foi a número um até Chicago X em 1976, quando balada Cetera "If You Leave Me Now" subiu para o topo das paradas e permaneceu lá por duas semanas. A canção também ganhou seu único prêmio Chicago Grammy de Melhor Performance Pop por um Duo ou Grupo, em 1977. Ironicamente, a música quase não fez o corte para o álbum, "If You Leave Me Now" foi gravado no último minuto. O enorme sucesso da canção se prenunciar uma dependência mais tarde baladas que typecast do grupo no rádio, apesar da presença de canções mais maduro em todos os álbuns anteriores. O lançamento do grupo, de 1977, Chicago XI, foi outro grande sucesso para a banda, que incluiu balada Cetera do hit "Baby, O que é uma grande surpresa", um No. 4 hit dos EUA, que se tornou um dos do grupo últimos grandes sucessos da década.
Rhino vai lançar Chicago: os álbuns de estúdio '69-'78, um conjunto nova caixa 10 discos, em 29 de outubro. Os dez discos incluídos estão listadas abaixo e todas são referidos como sendo de 2002 versões expandidas, com excepção de Chicago Transit Authority e III Chicago (isto não é confirmado). Amazon USA http://www.amazon.com/dp/B009AJDET6/?tag=imwan-20
Producer · James William Guercio ... Then (according to Robert Lamm on an episode of In the Studio with Redbeard ... keyboardist Robert Lamm, guitarist Terry Kath and bassist Peter Cetera all shared ... Lee Loughnane and Walter Parazaider handled all brass and woodwinds and ... Title, Writer(s), Lead vocals, Length. 1.
Guitarist Terry Kath also participated in an extended classically styled cycle of four pieces, ... The politically outspoken Robert Lamm also tackles his qualms with "It Better End ... Peter Cetera, later to play a crucial role in the band's music, contributed his first ... Title, Writer(s), Vocals, Length ... Lamm/Parazaider, Kath, 10:24 ...
Chicago III
Released
January 11, 1971
Recorded
Late November - Early December 1970, Columbia Recording Studios,New York
Chicago III is the third album by American rock band Chicago and was released ...road gave the principal songwriters, Robert Lamm, Terry Kath and James Pankow, ..."Free" was a Top 20 hit, and Peter Cetera's "Lowdown" reached the Top 40. ... Title, Writer(s), vocals, Length ... "Lowdown", Cetera/Seraphine, Cetera, 3:35 ...
Chicago V is the fourth studio album (fifth overall) by American rock band Chicago and was released in 1972. It is notable for being the group's first single ...
Chicago VI is the sixth album by American rock band Chicago and was released in 1973. Following the streamlined character of Chicago V, this successor ...
"Italian From New York" (Robert Lamm) – 4:14 (instrumental)
"Hanky Panky" (Robert Lamm) – 1:53 (instrumental)
"Life Saver" (Robert Lamm) – 5:18 (lead singer: Robert Lamm)
"Happy Man" (Peter Cetera) – 3:34 (lead singer: Peter Cetera) On the original LP & CD this song begins with a false start, and about 20 seconds of studio chat/noise. This is omitted on some remastered copies.
"Woman Don't Want to Love Me" (Robert Lamm) – 4:35 (lead singer: Peter Cetera)
"Skinny Boy" (Robert Lamm) – 5:12 (lead singer: Robert Lamm) The same track appears on Robert Lamm's 1974 solo album Skinny Boy, but without horns and a fade-out at 4:30.
Chicago VII is the seventh album by American rock band Chicago and was released in 1974. It is notable for being their first double album of new material since ...
Chicago VIII is the eighth album by American rock band Chicago and was released in 1975. Following the experimental jazz/pop stylings of Chicago VII, the ...
Chicago X is the ninth studio album, and tenth album overall, by the American band Chicago and was released on June 14, 1976. The album is notable for its ...
James William Guercio – acoustic guitars and bass on "Baby, What a Big Surprise"
Tim Cetera – additional background vocals on "Baby, What a Big Surprise"
Carl Wilson – additional background vocals on "Baby, What a Big Surprise"
Chaka Khan – background vocals and incredible preach at end of "Take Me Back To Chicago"
Dominic Frontiere – orchestral conception & orchestration on "Baby, What A Big Surprise"; orchestration for "The Inner Struggles of a Man"; string and orchestral arrangements for "Little One"
The Voices of Inspiration – choir on "Vote for Me"
Chicago XI is the tenth studio album, and eleventh album overall, by the American band Chicago, released in 1977. As the successor to Chicago X, the album ...
Hot Streets is the eleventh studio album, and twelfth album overall, by the American band Chicago, released in 1978. In many ways, Hot Streets marked the ...
Chicago Box (Bonus DVD) [Box Set, Original Recording Remastered]
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